El Cinematógrafo: Cumbres Borrascosas, un filme de nuestro tiempo
La Warner Bros llevó a cabo una campaña harto extravagante y persuasiva, capaz de hacerme soñar con Jacob Elordi, al punto de revisar su fecha de nacimiento para ver si la diferencia de edad no era tan grande y tenía, de esa forma, posibilidades de casarme con él si algún día me lo encontraba, sabrá Dios cómo. La nueva adaptación de Cumbres Borrascosas invadió las redes sociales, desafió las leyes del algoritmo y llegó, incluso, al público amante de los videos generados por Inteligencia Artificial (IA): nuestros padres y abuelos. Protagonista de una avalancha de críticas, no tan favorables, por cierto, se ha convertido en el foco de atención de los estrenos de este 2026.
Decidí, por tanto, que había llegado el momento de leer la novela que aguardó años en el librero, a pesar de las constantes recomendaciones de mi abuela y mi mamá, que tanto aprecian la obra de las Brontë. La experiencia fílmica no me arrebataría la dicha de la lectura, que siempre he mantenido en la cúpula de mis gustos.
Publicada en 1847, Cumbres Borrascosas es una de las historias de amor más profundas, heterodoxas y oscuras de la literatura; escrita con la pasión desbordante y característica de las tres hermanas, en especial de Emily.
Sin embargo, la ola de reels me indicó la idea de Emerald Fennell: debía decir adiós a su esencia y adentrarme en la interpretación de su directora cuando era apenas una adolescente de 14 años. Y, entonces, esperé. Esperé que el libre albedrío, tan importante en el cine (y en el arte), me deleitara.
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No busco “criticar” la película como una mala adaptación, prefiero juzgarla como un producto individual que debe, de por sí, lograr su grandeza o intrascendencia cinematográfica. Cumbres Borrascosas cuenta con múltiples versiones en la gran pantalla, destacándose la clásica homónima de William Wyler de 1939, Abismos de pasión (1954) de Luis Buñuel y Wuthering Heights (1992) de Peter Kosminsky, protagonizada por Juliette Binoche y Ralph Fiennes.
Fennell, conocida sobre todo por su ópera prima Promising Young Woman (2020), con la cual recibió el Oscar a Mejor Guion Original, es una directora que reconoce el poder de la imagen y juega constantemente con el impacto visual; elemento más sublime de estas cumbres. Con ayuda de su director de fotografía Linus Sandgren, responsable de un barroquismo exquisito en filmes como Babylon y La La Land, sumerge al público en un ambiente anacrónico, cargado de recursos brillantes. Todos los planos están perfectamente pensados, lo que convierte cada minuto en un show estético que hipnotiza al espectador: un cuadro Clásico que prioriza la belleza y la perfección antes que el propio mensaje artístico.
“Si la corto en cien trocitos y hago cien tiktoks, me funcionan los cien”, según comentara el crítico de cine español Alejandro Calvo en su espacio en YouTube para la revista SensaCine.
Existen elementos extravagantes que no aportan a la trama como, por ejemplo, el diseño del cuarto de Catherine, un regalo de Edgar (Shazad Latif) que busca reproducir la piel de su esposa. En este caso utilizaron fotos de la epidermis de Margot Robbie, con énfasis en el rostro, para crear las paredes y el suelo con su textura, venas y lunares; factor que se repite en la introducción de la película, donde un equipo de animación stop motion empleó pelo real de la propia Robbie y Jacob Elordi (Heathcliff) para la secuencia de apertura.
La banda sonora, a cargo de Charly xcx, resulta una elección digna de la famosa serie de Netflix Bridgerton, cargada de incoherencias históricas que nada tienen que ver con la Inglaterra del siglo XIX, amante del uso de canciones pop instrumentalizadas para la “época”. La joven cantautora, cuya obra transita entre en el pop, la electrónica, punk e hyperpop, compuso el álbum Wuthering Heights de 12 temas con la colaboración de otros artistas como John Cale, Sky Ferreira y Joey Keery.
Parte de la música, si bien su tendencia es moderna y alternativa, se integra con naturalidad. No ocurre lo mismo en determinadas escenas como la elipsis del minuto 55, de por sí abrupta, donde Chains of love crea un ambiente discordante pese a su letra sugerente que, al contrario, sí combina con la intención principal de la secuencia: reflejar el encierro de Cathy tras el matrimonio y su eterno amor por Heathcliff.
El diseño de vestuario resalta como una pieza clave y llamativa de la excentricidad estética del largometraje. La dos veces ganadora del Oscar Jacqueline Durran, diseñadora, entre otras, de Anna Karenina (2012), Mujercitas (2019) y Barbie (2023), realizó un trabajo sin dudas extraordinario y regaló a la adaptación una propuesta revolucionaria. Aun con su evidente abandono a toda referencia de la moda de las primeras décadas de 1800, logró transmitir mediante la paleta cromática y prendas adecuadamente escogidas para cada papel la psicología de los personajes y sus sentimientos, adaptados a la narrativa del filme.
Emerald Fennell escribió el guion basándose en los recuerdos de su adolescencia al leer el libro por primera vez, lo que dio lugar a una historia de amor plana, repetitiva e idealizada, resultado de las aspiraciones juveniles de un amor más puro y canónico, carente de la fuerza imperante en la novela original y muchas de sus adaptaciones precedentes. Sin contar la sexualización a la que fue sometida esta interpretación personal, producto de la fantasía de su directora y, por otra parte, de una estrategia de ventas.
La elección de Margot Robbie y Jacob Elordi en los papeles protagónicos fue una decisión certera desde el punto de vista comercial, debido a la belleza de ambos actores y sus antecedentes. Robbie realiza un notable trabajo teniendo en cuenta la calidad del guion, mientras Elordi se presenta débil y se apoya principalmente en su imponente presencia física. Por momentos, la actuación de este último se siente forzada, defectuosa, gracias a lo cual olvidé nuestros años de diferencia y la idea del casamiento.
Los personajes secundarios —Nelly (Hong Chau), Isabella Linton (Alison Oliver) y Edgar, así como Mr. Earnshaw y Joseph— no poseen elementos en común con los originales del libro. El trasfondo dramático de cada uno se reduce y sus roles toman caminos diferentes. Isabella constituye el ejemplo más claro de estas transformaciones, convirtiéndola en una joven reprimida sexualmente, infantilizada, estúpida y sumisa, capaz de someterse a constantes humillaciones.
La mayor carga emocional de la película se encuentra en los minutos finales: la banda sonora, el montaje, la fotografía y las actuaciones convergen para una serie de escenas desgarradoras, capaces de sacar las lágrimas. Un cierre que supera con creces las dos horas que lo anteceden. «Wuthering Heights» es, en fin, un filme acorde a nuestro tiempo: vacío, de una deslumbrante estética visual. Una cara bonita. Una imagen que vende.
